Жизнь в Москве

Еще...

Новые выставки в пространстве арт-платформы Cube.Moscow

26 ноября в пространстве арт-платформы Cube.Moscow будут представлены новые проекты.

Выставка Андрея Волкова Linea Uno в большом зале от PA gallery

26.11.21 — 22.12.21

В большом зале Cube.Moscow PA gallery откроет персональную выставку Андрея Волкова Linea Uno — на ней будут представлены новые работы художника — живописные полотна и несколько объектов. Ключевые слова для этого проекта: цвет, краска, движение, время, чувственность, память.

Андрей Волков: Слово «линия» linea (лат.) в первичном значении — льняная нить, шнур, то, что соединяет, связывает; в переносном значении — цепь связанных друг с другом объектов. Linea Uno (Линия Уно, Первая линия, или Линия №1) это воображаемая линия, которая связывает объекты и события, имеющие особую значимость. Ее смысл в установлении взаимодействия обычно не сопоставляемых между собой частей собственного опыта: фрагментов зрительной и эмоциональной памяти, наследственных паттернов, приобретенных навыков, физической моторики, материальных и вымышленных сущностей. Эта линия — ориентир в творческом процессе, помогающая не столько находить ответы, сколько задавать себе нужные вопросы.

Словосочетание Linea Uno заимствовано у венецианского маршрута общественного транспорта, который связывает город в его крайних точках, проходя через центр по Большому каналу. Такое «присвоение имени» стало результатом череды последовательных действий различной степени случайности и осознанности.

Пластиковая табличка от вапоретто маршрута №1 была выловлена из воды после ночного шторма, между остановками Джардини и Джардини Биеннале. То, что изначально воспринималось как редкий souvenir (франц., воспоминание или память), стало притягивать все больше смыслов.

Понятие «маршрута» подразумевает строгую упорядоченность и последовательность, но лишь в том случае, если рассматривать его изолированно; насколько и каким образом он будет востребован, зависит только от личных, не обязательно рациональных, действий. Таким образом, предоставляется индивидуальный выбор баланса между детерминированностью и случаем: каждый волен выбирать, в какой точке начнется движение, какое направление будет выбрано, сколько остановок проехать и где сойти. Это очень похоже на процесс восприятия живописи, как я его понимаю.

Использование тропа Linea Uno связано также с тем, что беспредметной живописи присущи свойства транспортного средства: «Если рассматривать живопись как средство передвижения, которое переносит вас в другое место, абстрактная живопись может доставить вас в гораздо более труднодоступные края…» (Брайс Марден).

Чем ближе живопись походит к своим сущностным качествам, тем больше свободы она дает зрителю в переживании опыта. Этот опыт — форма бытия, существующая между зрителем и картиной. Картина — вещь в себе, она не абстрактна, она не язык, а первичный опыт, активный и актуальный (существующий здесь и сейчас).

Одним из главных носителей смысла является краска — пигмент и связующие, являющиеся предельно овеществленным цветом; будь это тонкие, практически прозрачные слои, или монолитные блоки краски, обретающие трехмерность, их функция — материализовывать свет. Краска — не строительный материал для картины, это субстанция, обладающая собственным содержанием и собственной жизнью. Взгляд должен коснуться краски, в этом психофизическом взаимодействии живопись обретает смысл; так она становится «событием видения».

Выставка Ани Желудь «Персональное пространство» в PA gallery

26.11.21 — 22.12.21


Этот проект — дискурс на тему личного взаимодействия с компонентами современного мира, понимания себя относительно реальности и определение своей ценностной ориентации. Свое персональное пространство художница выстраивает и наполняет условными предметами быта: пианино, на котором невозможно сыграть, стулья, на которые сложно присесть, одежда и обувь, которые нельзя примерить, столы, торшеры, оконные рамы — вещи, лишенные своей первичной функции, как мир платоновских эйдосов. Пространственные метафорические рисунки Ани Желудь — это ничто иное, как перефокусировка сознания с масштаба бытовой повседневности, внутреннего словесного диалога, на масштаб, приближенный к видению истинного мира, в который все давно включены.

Аня Желудь родилась в 1981 году в Ленинграде. Училась в Санкт-Петербургском художественном училище им. Н. К. Рериха, Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А.Л. Штиглица. В 2007, 2010 и 2012 году номинирована на всероссийскую премию в области современного искусства «Инновация», в 2008, 2013 и 2017 номинирована на «Премию Кандинского». В 2009 году участник основного проекта 53-й Венецианской биеннале современного искусства.

Работы художника находятся в Московском Музее Современного Искусства, в частном Музее Актуального Искусства в Москве, в Государственном Центре современного искусства, в музее Нонконформистского Искусства в Санкт-Петербурге, в Государственном Эрмитаже, в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской Галерее. 

Выставка «Союз невозможных» в Syntax Gallery

26.11.21 — 22.12.21


Группа анонимных художников «Союз невозможных» образовалась в непростом 2020 году — в эпоху пандемии и социально-политических потрясений. Её состав варьируется и постепенно расширяется. Основной техникой произведений художников стала традиционная живопись на холсте. Художники иронизируют над странной повседневностью, внезапно изменившейся так сильно. Они придумывают новые способы защиты: создают «визуальные щиты» от банальности, скуки, сухости, логичности и системности. 

Никогда не думалось, что мы все будем жить во времена «великих испытаний». Новые нормы (возможно, бесповоротно) изменили нашу жизнь, и мы постепенно начинаем привыкать к ним. Ирония, в свою очередь, верный помощник в трудных ситуациях. Так начал создаваться «дадаистский» фарс, поначалу вводящий зрителя в некое онемение и порождающий вопрос: а что ж это, вообще, такое? и почему именно это? и зачем? Получаются мемы нового времени. Иногда с мрачным юмором и часто — на злободневные темы.

Мемы называют «вирусом разума». Ведь теперь только что-то очень лаконичное и меткое способно привлечь наше внимание в огромном потоке информации. В смутные времена все спасают свой рассудок по-разному. А художники — все тем же, — искусством. Группа «Союз невозможных» объединилась в карантинное время, чтобы создавать работы, отличные от основного интереса каждого из участников, и «новые мемы» стали одним из направлений. Когда-то 100 лет назад дадаизм возник как реакция на Первую мировую с её неоправданной жестокостью. В 2020 художники вновь возрождают дадаистские принципы, перерабатывая их под новую ситуацию. Дадаисты занимались антиэстетикой, «Союз невозможных» в своих «мемовых» произведениях провоцирует зрителя, вводя его в недоумение.

Изображение «новых мемов» в большинстве случаев помещено в белую рамку, являющуюся частью картины, и напоминает фотографию, сделанную полароидом. Это — и намек на исключительность, ведь полароидные снимки существуют каждый в единственном экземпляре, и противопоставление растиражированным интернет-мемам.

Выставка Кирилла Кто «Чуть больше привычного» в Syntax Gallery

26.11.21 — 22.12.21


Также Syntax Gallery откроет персональную выставку Кирилла Кто «Чуть больше привычного» с новой серией работ. На ней будут представлены новые работы культового художника, который перенес стрит-арт со стен на холсты.

Устоявшиеся фразеологизмы — давняя тема и привычный материал для Кирилла. В новом проекте он переиначивает числовые идиомы и названия художественных произведений, делая их чуть большими, добавляя к обычным «+1», тем самым подрывая устоявшиеся стереотипные выражения, предлагая зрителю дополнить и его собственные знаковые, привычные, обыденные числительные. 

Кирилл Лебедев (Кто) родился в 1984 году в Зеленограде. Художественного образования не имеет. Участник арт-групп «Зачем?» (2002– 2009) и No Future Forever (2005–2009). Сокуратор проекта «Стена» (Центр современного искусства «ВИНЗАВОД», 2010–2013), инициатор и организатор первой в России премии в области уличного искусства «уЛичный вклад» (2013), соорганизатор персональной выставки Паши 183 «Наше дело подвиг!» (Московский музей современного искусства, 2014).

Выставка Гелы Цуладзе «Вариации на тему души» в галерее Window project

26.11.21 — 22.12.21


Галерея Window Project представляет работы грузинского художника Гелы Цуладзе, происходящие из серии «Вариации на тему души». Работы Гелы Цуладзе (1959) нарисованы на клеенке, как и большинство работ Нико Пиросмани. В творческом воображении художника живет история о том, как Пиросмани решил использовать черную клеенку в качестве «холста». В начале ХХ века, когда фотосъемка становилась все более популярной, Пиросмани стал свидетелем процесса фотопечати – изображение появлялось буквально из темноты. Впечатленный, он зашел в трактир и, когда ему поставили бокал Саперави на стол, покрытый черной клеенкой, увидел, что может использовать этот материал для изображения света так же, как это происходило во время проявки фотографий. Вдохновленный этим образом, Цуладзе решил нарисовать на клеенке разноцветные пятна света и создать живопись, передающую настроения великого художника Нико Пиросмани.

Гела Цуладзе родился в 1959 г. в Тбилиси в семье отца грузина и матери француженки. Его отец был представителем первого в стране поколения психоаналитиков, он же стал первым заказчиком юного художника. Так на потолке кабинета Цуладзе-старшего появилась черная точка, к которой устремлялся взгляд пациента во время сеанса, –– вспомогательное средство для медицинского гипноза и будущая визитная карточка художника.

В 1977 г. Гела поступил в Тбилисскую академию художеств, но отправной точкой в его карьере стал переезд в Париж: в 1980-1983 гг. художник обучался в Высшей государственной школе декоративных искусств, а в 1983-1985 гг. –– в Академии изящных искусств. Вскоре он стал ассистентом французского мультидисциплинарного художника и кинорежиссера Кристиана Болтанского.

После окончания Академии Цуладзе перебрался в сквоты в 19-м округе Парижа, где делил мастерскую на берегу Басин-де-ла-Виллет с Реми Бланшаром и Венсаном Скали. В эти годы Гела тесно взаимодействовал и с другими представителями свободной фигуративности (художественного течения, которое зародилось в начале 1980-х годов во Франции в оппозицию академизму арт-школ): Беном, братьями Ди Роза, Робером Комбасом и Франсуа Буароном. 

Позже в поисках вдохновения, Гела перебрался на Ибицу, а затем и в Барселону, где с 1987 по 1993 гг. он работал над трансформацией Благотворительного центра Каса-де- ла-Каритат в Центр современной культуры Барселоны.

Благодаря работам Баскии и Кита Харинга, эпицентром красочной утопии свободной фигуративности стал Нью-Йорк. Именно там Гела провел пять лет, с 1993 по 1998 гг., успев пожить в легендарном отеле «Челси» и даже украсить местные стены и мебель грузинской каллиграфией. В этот период начал формироваться минималистичный стиль художника, который в последующем стал его визитной карточкой и узнаваемым символом Батуми.

В конце 90-х желание художника наладить связи между страной своего рождения и Францией становилось все отчетливее. Советский Союз распался, и Грузия постепенно свела на нет внутренние конфликты, разжигаемые внешними силами. В свете Революции роз в 2003 г. Гела воссоздал грузинский флаг с сердцами вместо крестов.

Гела Цуладзе участвует в выставках, коллаборациях, фестивалях, приглашает французских художников Жана Дюпюи и Бена принять участие в арт-резиденции Гарикула, становится соавтором первых в мире скульптур Fluxus. В 2013 г. Цуладзе основал и запустил первый фестиваль уличного искусства в Грузии, Batumi Grafikart Festival. В 2018 г. он организовал празднование столетия группы «41°», первой в Грузии группы авангардных футуристов, в память об Ильязде (псевдоним Ильи Зданевича).

Выставка Владимира Башлыкова Nude в галерее «Культпроект»

26.11.21 — 22.12.21


В моменты наивысшего вдохновения мастер создает свои  работы как в alla prima — «в один присест» — разновидность техники масляной живописи, так и работая над произведением долгими сеансами, но при этом сохраняя живость мазка и впечатление удивительной легкости живописного произведения. Владимир Башлыков, известный художник и крупнейший график, работающий во многих техниках: автолитографии, офорта, пастели, а также живописи акрилом и маслом. В своем творчестве художник постоянно экспериментирует с выразительными возможностями цвета и штриха, создавая особый визуальный мир, в центре которого находится человеческая фигура.

На выставке в Cube.Moscow будут представлены живописные работы и скульптура.

Владимир Башлыков родился в 1943 году в селе Каменка Хмельницкой области в Украине. В 60-е учился в Московском художественном училище Памяти 1905 года (театрально-декорационный факультет), а в 1970-м окончил Московский текстильный институт (факультет прикладного искусства). С 1977 года являлся членом СХ СССР. Художник участвовал во многих выставках, как российских, так и международных. 

Работы Владимира Башлыкова находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина Государственного Русского музея Государственного Центра современного искусства Государственного музея современного искусства Государственного музея искусства народов Востока Государственного литературного музея Музейно-выставочного комплекса Московской области «Новый Иерусалим» и других собраниях. Картины художника находятся в музеях и частных коллекциях США, Швейцарии, Франции, Германии, Австрии,Великобритании, Италии, Израиля, Дании, Польши, Болгарии и в других странах.

Персональная выставка выставка Юрия Ващенко CHEKHOV 2.0 в Kupol Gallery

26.11.21 — 22.12.21


В пространстве Kupol Gallery пройдет выставка Юрия Ващенко CHEKHOV 2.0. В рамках проекта будет представлена серия графических работ, посвященная А.П. Чехову. В основе проекта — фотографии, связанные с жизнью и творчеством величайшего писателя. Изображения близких друзей, известных актеров начала века, разрушаясь, трансформируются в образы персонажей пьесы, переходят в другое измерение.

Юрий Ващенко: В одном из своих московских интервью в 1989 году П. Штайн сказал: «Чехов — всегда провокация, вызов, а совсем не масштаб для определения реализма». Одной из особенностей чеховской драматургии является полное отсутствие действия. Действие уступает место слову. Характерные для персонажей Чехова состояния: сомнение, инертность, инфантилизм подменяют реальное действие наименованием, желанием такового действия.

Именно это и подтолкнуло меня к использованию фотографий — документального, статистического материала, так или иначе связанного с именем Чехова, его средой, его временем. Эти фотографии создают первый слой литографий. Парадоксализм писателя ставит под сомнение и героическую риторику, и эстетические каноны, заменяя экстремальную героику будничной закономерностью, а эстетическую утонченность — эклектической случайностью. Настаиванием на простом, обыкновенном, посредственном/ что проявляется уже в самих названиях его пьес: «Иванов», «Три сестры», «Вишневый сад», «Комедия» и пр./, переводился мной в незамысловатый жест, по-детски начирканный на сложной поверхности фотографии, и самой своей элементарностью, вступающей в конфликт с изяществом этой поверхности.

В то же время фотографии близких, друзей, известных актеров начала века, разрушаясь, трансформируются в образы персонажей пьесы, переходят в другое время. Статика и эстетизм этих фотографий смешиваются с небрежностью антиэстетического вычеркивания слов, якобы произнесенных и якобы зовущих к действию. Псевдодинамизм такого вымарывания является для меня визуальным, наглядным символом чеховской драматургии.

Формально серия, состоящая из тридцати литографий, разделена на четыре части, подобно актам пьесы. В каждой из частей фотография определяет как бы «тему» последующих «вариаций».

Первые семь листов формируются из фотографии Комиссаржевской, подаренной Чехову где-то в 1900 году, в период зарождения идеи «Вишневого сада». Эта фотография, постоянно находясь в поле зрения писателя, могла стать поводом для создания любого из женских образов. Фотографии семьи Чехова формируют вторую часть альбома, где образы отца, матери, дяди и тд. трансформируются, уступая место персонажам чеховских пьес. В третьей части использован аналогичный ход с фотографией одного из участников премьеры «Вишневого сада». Фотография датирована 17.01.1904 г., днем этой премьеры.  Четвертая часть построена на материале фотографии, не имеющей прямого отношения к Чехову, но являющейся типичной, бытовой, семейной фотографией того времени. Снимко датирован 1903 годом. Кажется, что персонажи, изображенные на ней, объединенные каким-то немым вопросов, напряженным ожиданием, прислуживанием к «звуку лопнувшей струны», проходящей жизни, неоправдавшихся надежд.

Альбом заканчивается  страницей из записной книжки Чехова, символизирующей и заброшенный дом, и вырубленный сад, и забытый мир… Нерешительный отказ от написанного, задуманного, сделанного.

Выставка «Соучастники» в галерее «Среда»

26.11.21 — 22.12.21


«Соучастники» — коллективное художественное размышление о (пост)колониальности как повседневном и телесном опыте. Составленная из личных и предельно откровенных высказываний, выставка исследует (пост)колониальную проблематику в автобиографическом и самотерапевтическом ключе.

Название выставки отсылает к английскому слову complicity в значении «соучастие в преступлении». Собственная включенность в (вос)производство колониальной матрицы становится предметом исследования как отдельных работ, так и выставки в целом. Колониальность — не обязательно умышленное «преступление». Будучи носителями колониального мышления, мы, не отдавая себе отчета, становимся соучастниками бытовых и мимолетных взаимодействий, структурированных исключением, отчуждением, психологическим и физическим насилием в отношении Другого, чаще всего — этнически и культурно маркированного.

Мультимедийная экспозиция включает работы восьми художниц, подготовленные специально для выставки в рамках воркшопа преподавателя курса «(Пост)колониальность и искусство» Георгия Мамедова.

Участницы: Юлия Кокуева, Альфия Шамсутдинова, Анна Митерева, Катя Финкельштейн, Ирина Гулякина, Анна Ли, Анастасия Тупикова, Елизавета Кудрявцева. Куратор: Георгий Мамедов.

Выставка Карины Барабановой «Помедленнее» в галерее и арт-магазине Cubed

26.11.21 — 22.12.21


Карина Барабанова закончила МХУ «Памяти 1905 года», МВХПУ (Строгановка), МГОПУ (Московский Государственный открытый педагогический университет), живет и работает в Москве. 17 лет рисовала иллюстрации для российского Playboy и других глянцевых журналов. С 1999 года участвует в выставках современного искусства. Область интересов: исследование шаблонов человеческого восприятия, психология интернет культуры и особенно всевозможные мемы, ироническое столкновение контекстов традиционного наследия и современного мира.Новая серия работ московской художницы Карины Барабановой — это ироничное осмысление общества потребления. Купить и поглотить: удовольствие от потребления вечно актуально. Серия работ Карины Барабановой «Помедленнее» — это живописные (холст, акрил) скриншоты страниц интернет-магазинов соблазняют необычными леденцами. Можно разглядеть эротические метафоры, психоаналитические аллюзии, оммажи поп-арту, исследование мемов, а можно просто повеселиться, как считает художница.

Также новую выставку откроет pop-up галерея Shilo gallery — на выставке «Зеленая марка» будут представлены новые работы известной художницы Нины Котел. 

Со 2 декабря можно будет увидеть новую экспозицию галереи «Алиса». 

Выставка Софьи Скидан «Внутри этой огромной зоны неразличимости»

02.12.21 — 09.01.21


Галерея «Алиса» открывает персональную выставку Софьи Скидан, в основу которой войдут новые цифровые коллажи, собранные из авторских пейзажных снимков,  фотографий наработок скульптур и фрагментов пейзажей, созданных художницей воображаемых миров. В выставку также войдут новые скульптуры, в которых найденные в природе объекты гармонично соединяются с изобретенными человеком материалами, формируя новый пластический язык, которым выражает не вполне человеческое восприятие современной реальности.

В этом проекте художница соединяет наработки последних лет практики. Фотографии, запахи и скульптуры соединяются поэтической нитью фрагментов воображаемых и/или реальных воспоминаний, «которые слипаются друг с другом, но становятся осязаемыми».

Софья Скидан: «В этих работах пространства природы, скульптуры перетекают в фотографии и с фотографий перемещаются обратно в материальное. Я собираю фрагменты из сгустков растекающихся очарований, непрерывности пространства и попыток снятия уязвимости структуры памяти.  В моих работах нет гомогенности,  историческая и приватная память мутируют, через них природные ландшафты, мистические явления, куски тел, фактуры-слепки и скульптурности складываются во воображаемые метамиры. Они могли бы никогда не существовать или уже трансформируются в ландшафт ближайшего магического, мистического и/или гипотетического будущего». 

Через свои работы Софья Скидан предлагает рассмотреть память не всегда живых тел,  их плотность и усталость в новых темппоральных регистрах, в которых настоящее определяется из будущего, и значит,  оказывается прошлым, с которым мы ничего не можем поделать. 

Софья Скидан @sofskidan (р. в 1996 году, г. Ухта) окончила СПБГУКиТ и школу им. Родченко. Работает с инсталляцией, перформансом, скульптурой и видео. В центре её художественного исследования — вопросы о восприятиях и трансформациях идентичностей в условиях техногенной культуры, экологической нестабильности и антропоцена.

Её работы — это сайт-специфик инсталляции, в которых артефакты постцифровой реальности сочетаются с элементами утерянного при-одного ландшафта, а восточные духовные практики — с современной западной критической теорией, отражая комплексные проблемы современности.

Стипендиатка музея «Гараж» (2019/2020), номинантка премии Курехина в номинации «Лучшее визуальное искусство» в 2018 году, участница Porto Design Biennale 2021, фестивалей Rosbank Future Cities и «Архстояние» в 2021 году,  6 и 7 -й  Московской Молодежной биеннале, а также выставок в Дарвинском музее, Музее Гараж, ММСИ, МАММ, ЦСИ Типография.  Персональные выставки художницы прошли в школе Родченко( Dynamic pieces, 2016) и галерее Фрагмент (Transverse hyperspace, 2018).

Арт-платформа Cube.Moscow –– инновационное пространство, открытое в 2019 году. Здесь, в самом центре Москвы, представлены более 10 галерей и всегда открыты выставки современного искусства. Площадка объединяет коллекционеров и ценителей искусства с художниками, галеристами и другими представителями российской и международной арт-сцены. 

Cube, Москва, Тверская ул., 3, Здание The Ritz-Carlton, Moscow, -2 этаж

www.cube.moscow

2287

Похожие статьи